"Landning!" Jag hade så fantastiskt kul när jag såg och recenserade berättelsen om slasher-mördaren Smashmouth med fotbollstema The Once And Future Smash och Slutzon 2 Jag nådde ut till filmskaparna bakom gridiron gorehound. Att prata med Sophia Cacciola och Michael J. Epstein gav ytterligare insikt i en dubbelfunktion med så högt koncept och lite till.

Vad har du för bakgrund som filmare?

Vi växte båda upp med att älska film och göra filmer med våra vänner på VHS-videokameror, men flyttade sedan fokus till musik. Vi arbetade med andra regissörer för att göra musikvideor till våra band, vilket slutade med att bli ganska framgångsrikt! Michaels band, The Motion Sick, hade musikvideon till sin låt "30 Lives" på de mindre MTV-nätverken, och den hamnade i flera Dance Dance Revolution-spel. Sophias band, Do Not Forsake Me Oh My Darlings video till "Episode 1 – Arrival", presenterades i TIME som årets bästa video. 

Vi insåg att vi ville göra fler videor, så vi köpte bara några billiga digitalkameror och hoppade in. Det ena ledde till det andra, och inom ungefär ett år gjorde vi vår första långfilm. 

Vad var inspirationen till The Once And Future Smash och End Zone 2? Vilket kom först?

Vi är fascinerade av explosionen av skräckfandomkultur. Vi gillar inte särskilt att gå på kongresser eller samla in namnunderskrifter, men vi tycker att det finns en underbar och fantastisk gemenskap som omger allt. Det finns också all sorts intressant politik om relationerna mellan aktörer. Vi hade hört historier om dispyter om vem som faktiskt spelade maskerade roller som är svåra att bekräfta i vissa filmer och trodde att det kunde vara en intressant ingångspunkt för berättande i konventvärlden.

Michael pratade med vår vän Neal Jones, som har gjort Podcasten Without Your Head ganska länge och har intervjuat nästan alla i skräck. Neal nämnde att en av hans tidigare gäster klagade när han tillkännagav en kommande gäst eftersom de hade en offentlig oenighet om vem som förtjänar beröm för den maskerade roll de båda spelade. Michael nämnde för Neal att han hade ett manuskoncept för en sådan berättelse men att han inte hade några planer på att skriva den eftersom det skulle innebära att få tillgång till en kongress och andra kostsamma produktionselement.

Neal checkade in med sina vänner på Mad Monster Party-kongressen, som snabbt gick med på att låta Neal filma där. Neal och Michael funderade på vem de skulle vilja rollsätta i filmen, och de två första personerna som kom att tänka på var Bill Weeden och Michael St. Michaels. Utan manus frågade vi dem båda om de skulle vara intresserade av konceptet och att filma på Mad Monster. Det här var i slutet av juli 2019. Vi visste att vi skulle behöva skjuta på Mad Monster i februari 2020, så Michael började skriva manuset så snabbt som möjligt medan Neal började fundera på vilka av hans tidigare gäster som skulle vilja vara med i det. . 

Vi visste också att vi skulle behöva fotografera End Zone 2 innan konventet så att vi skulle ha stillbilder och annat material för produktionsdesign, så vi planerade det för produktion i december 2019. Vi skrev en disposition för End Zone 2 och tog sedan in vår vän Brian W. Smith att skriva ett första utkast till det faktiska manuset. Vi fick tillbaka det i början av oktober och spelade in End Zone 2 på en vecka i december 2019. 

Hur kom du på Smash-Mouth och hans design/bakgrund som slasherkaraktär? Inklusive hans signatur slagord "Touchdown!"?

Vi visste att vi ville göra filmen, men vi hade ingen aning om vad filmen i filmen skulle vara. Vi ville ha en ikonisk karaktär som kunde ha varit hypotetiskt inflytelserik på alla de primära slasher-ikonerna. Vi visste att vi ville ha något riktigt over-the-top när det gäller utseende och personlighet. 

Vi brainstormade namn med ord som "slash" och "döda" i dem, och Sophia sa "Smash-Mouth" på skämt. Vi skrattade och tyckte sedan att det var ett roligt namn, och det ger också en visuell egenskap av att ha en trasig blick. Så vi letade upp ursprunget till termen och fick reda på att det syftade på grovt, konfronterande fotbollsspel – smash-mouth-fotboll! Allt liksom snöade därifrån - bruten käke, fotbollsspelare, "touchdown!"

Vi gillar ärligt talat inte fotboll eller kan egentligen så mycket om fotboll, men vi gjorde en hel del forskning om historien om fotbollsutrustning och -dräkter. Vi blev förälskade i läderutseendet och löste historien kring det. Vi ville att End Zone 2 skulle vara en "modern" film från 1970 men trodde att End Zone 1 kunde ha utspelats i en tidsperiod då läderhjälmar användes. Vi lärde oss att de övergavs professionellt runt 1950, men vi trodde att en liten gymnasieskola kanske skulle använda dem utöver det, och beslutade att vi kunde ställa in End Zone 1 1955 och göra det 15 år före End Zone 2 kronologiskt. Vi plockade ihop en (ganska dyr) vintageuniform och hjälm från eBay och Etsy!

Detta gjorde det också möjligt för oss att komma ur att casta folk i gymnasieåldern i filmen och fokusera på den typ av överlevnadstrauma som många slasher "final girls" har i uppföljare. Det gav också Smash-Mouth en sorts eterisk, out-of-hans-tid kvalitet. Det förflutna fortsätter att förfölja dem alla. 

För masken hade vi väldigt tur att vi kunde ta in FX-artisten Joe Castro. Vi arbetade med honom för att verkligen tänka på hur en ikonisk mask skulle se ut om den tillverkades i slutet av 60-talet. Den behövde kännas levande men inte heller riktigt ha rörlighet. Joe gjorde flera koncept och provade en mängd olika material innan han bestämde sig för den perfekta masken, vilket verkligen var det som väckte karaktären till liv. 

Var något inspirerat av dina egna upplevelser vid skräckkongresser?

Michael försökte definitivt fånga så många obekväma och roliga konventupplevelser han kunde i manuset. Vi ville att det hela skulle kännas satiriskt bekant för kongressbesökare. Vi tog också vara på möjligheter på konventet som uppstod. Kostymtävlingen fanns till exempel inte med i manuset eftersom vi inte visste om det. Vi fick reda på att vår vän, James Balsamo, var värd, och vi frågade honom om vi kunde komma in i AJ klädd som Smash-Mouth och bara få honom att förlora dåligt. Det var verkligen allt vi gav James.

Som du kan se i filmen gick James VERKLIGEN till stan på stackars AJ Saken är den att den gigantiska publiken inte hade någon aning om att det var för en film, och de trodde verkligen att James mobbad honom. Många människor gick upp till James efter för att skrika på honom och till AJ efter för att trösta honom. Vi var tvungna att förklara att det inte var på riktigt. 

Hur var gjutningsprocessen?

Till The Once and Future Smash hade vi castat Michael och Bill direkt, så manuset var verkligen skrivet med dem i åtanke. Vi hade redan planerat med vår vän, AJ Cutler, som har en benprotes, att en dag sätta honom i en skräckfilm och skära av hans ben. Michael hade den hemska idén att låta AJ spela en roll i End Zone 2, där han får benet avklippt, och sedan spela sonen till skådespelaren som också tappade benet på ett misstänkt sätt som kanske var relaterat till hans fars ikoniska roll . 

Vi visste att AJ var begåvad och rolig, men han hade inte massor av skådespelarerfarenhet. Vi pratade med honom och bestämde oss för att ta en risk och lita på honom för båda filmerna, vilket var särskilt riskabelt eftersom han är typ av publikens proxy och hjärtat i The Once and Future Smash. Vi trodde att vi kanske skulle behöva lägga mycket tid och energi på att styra honom för att få de föreställningar vi ville ha, men han var absolut naturlig i båda rollerna, och han förberedde och tog med allt vi ville, så vi behövde verkligen inte regissera hans framträdande mycket överhuvudtaget. Bill och Michael kändes definitivt lite som att AJ stal en hel del scener!

För End Zone 2 visste vi att vi skulle spela in filmen inom mycket kort tid – det visade sig vara sex dagar plus en upphämtningsdag. Vi visste också att vi ville att det skulle finnas många mycket långa tider för att matcha stilen på den tiden. I 1970-talets lågbudgetvärld hade de inte haft råd med filmbeståndet att göra alla typer av bevakning. Vi planerade fotograferingen kring att hyra ett hus i Lake Arrowhead med alla som bodde på inspelningsplatsen. Så allt detta innebar att vi behövde duktiga skådespelare som förstod projektet och som var okej med en lågmäld, familjär atmosfär på inspelningsplatsen där alla ställer upp var de kan med saker som att laga mat och städa. Alla som är inblandade i filmen (inklusive vi) krediteras också under en pseudonym, så det krävdes ett fullständigt inköp till projektet för att vilja vara en del av det.  

Vi castar verkligen från vänner och vänners vänner snarare än att använda någon form av auditionprocess. Skådespelarna var alla underbara och kunde sina repliker utan och innan, så vi kunde köra dessa 6+ minuters scener utan klipp. 

Hur var det att filma i en kongressmiljö?

Väldigt utmanande! Det var högt och kaotiskt, och vi kunde verkligen inte kontrollera någonting. Vi hade tillåtelse att skjuta, men det var förstås ett verkligt aktivt konvent, och vi försökte minimera hur störande vi var för alla omkring oss och på kongressen. Folket på Mad Monster Party och hotellet var absoluta hjältar för oss! De försökte verkligen ge oss allt vi behövde och stödja strävan.

Vi hade inte heller råd att flyga folk till North Carolina för små roller, så vi castade de flesta av de mindre rollerna på konventet. Det här var intressant eftersom det ibland var människor som vi kände eller personer som var involverade i att köra showen, och andra gånger, särskilt med barnen, var det bara att gå fram till folk och säga, "Hej, vill du vara med i en film?" 

När han skrev manuset försökte Michael också minimera den del som ägde rum på golvet och på kongressen i allmänhet. Vi visste att vi skulle ha tillgång till Bill och Michael under en begränsad tid, så allt som tog oss bort till andra karaktärer som vi kunde filma på andra ställen innebar mer tid för att få saker rätt med de scener vi behövde på kongressen. 

Vi rullade med slagen ganska mycket. Scener som inte fungerade blev klippta i redigeringen, och clowner spelade en mycket större roll än väntat!

När filmades varje projekt och i vilken ordning? Vad var det som gjorde retrostilen/vibben i End Zone 2?

End Zone 2 filmades i december 2019, och kongressdelen av The Once and Future Smash filmades i februari 2020. Efter kongressen var det mycket förseningar och omtanke på grund av covid. Vi avslutade The Once and Future Smash sommaren 2022.

För att få End Zone 2 att kännas så autentisk som möjligt, utöver det noggranna skapandet av Smash-Mouth, spenderade Sophia mycket tid på att köpa vintagekläder och bestämma garderob, styling och produktionsdesign. Vi letade efter precis rätt plats för att matcha eran och stilen också.

Vi bad skådespelarna att studera en mycket specifik skådespelarstil från tidigt 70-tal eftersom vi verkligen ville ha ärliga, seriösa framträdanden, även om omständigheterna i filmen kan kännas dumma. Vi ville inte ta en tongue-in-cheek-inställning till någon av End Zone 2. Vi skickade skräckskådespelarreferenser som The Texas Chain Saw Massacre och Black Christmas, men vi bad också skådespelarna att ta en titt på det tidiga 70-talet naturliga framträdanden i Altman- och Cassavetes-filmer. Vi hänvisade till 3 kvinnor, A Woman Under the Influence, The Long Goodbye och Klute som exempel på vad vi letade efter. 

När det gäller de tekniska delarna gjorde vi mycket forskning om vilken typ av kamera och filmmaterial som troligen skulle ha använts för en regional lågbudgetfilm av denna karaktär. Vi funderade på att faktiskt köpa den specifika kameran och närmaste lager för att spela in filmen, men efter att ha prissatt den insåg vi att vi skulle behöva fotografera digitalt. Sophia var filmfotograf för End Zone 2. Hon valde BlackMagic Pocket 4K för att den har ett tillräckligt brett dynamiskt omfång för att fånga ett filmiskt utseende och en liten sensor som är närmare en 16 mm-ram än precis vilken digital biokamera som helst. Vi köpte många vintage 16 mm-objektiv och gjorde en del testfotografering, men valde till slut att köpa en DZO Parfocal Zoom. Objektivet fanns inte att köpa förrän mindre än en vecka före fotograferingen. Tack och lov råkade vi vara i New York och kunde faktiskt plocka upp linsen från showroomet. 

Under inspelningen var Sophia avsiktligt begränsad till handzoomning för att fånga ofullkomligheterna i lågbudgetkameraarbetet från eran. Vi ville inte att något medvetet skulle filmas dåligt, men vi ville skapa samma slags hinder och begränsningar som filmskapare skulle ha haft vid den tiden. För att skapa en mer filmisk look använde Sophia även starka Black Promist-filter för att förstärka glöden och blomningen av ljus och högdagrar i bilden.

För post köpte vi ett brett utbud av filmkornsskanningspaket och bestämde oss till slut för att blanda våra egna korn med flera lager av spannmålsskanningar. Det fanns ingen looping och ingen enkel plugin-lösning som skulle fungera för oss. Under redigeringen bröt Michael ner strukturen på filmen och bestämde var rullarna slutade och var element kan ha skadats. Han satte olika korn på olika rullar och lade till skador på ändarna på rullarna och andra områden som med största sannolikhet hade blivit repade. Michael byggde signalmärken och placerade dem med den ramtid och avstånd som användes på eran. För ljudet spelade Michael också in den slutliga ljudmixen till kassett och digitaliserade den tillbaka, och blandade den med källan för att kontrollera mängden brus, wow och fladder. 

Michael gjorde också ibland medvetet ofullkomliga redigeringar och placerade Foley som skulle ha matchat eran. Det fanns också ett par Foley-signaler som avsiktligt dämpades i den sista filmen, som om de saknades. Vi trodde att den här typen av brister hjälpte till att matcha filmen till eran och budgeten.

Hur satte du ihop filmskaparen/skådespelaren/talking heads-delen av mockumentära intervjuer?

När Michael skrev manuset tilldelade han rader med specifika typer av människor i åtanke, men med vetskapen om att vissa kanske inte skulle säga ja till att göra filmen. Så vi hade "karaktärer" som "Melanie Kinnaman-typ" eller "Mark Patton-typ" i originalmanuset. Vår andra producent, Neal Jones, var verkligen en del av castingen av den här delen. Vi tre brainstormade en lista över personer som vi trodde kunde passa bra. Vi fokuserade på poolen av gäster som Neal hade på sin podcast och personer han kände från att vara värd för paneler vid kongresser och andra liknande saker. Neal började nå ut till människor. Han förklarade konceptet för dem och vad vi skulle be dem göra. Vissa var nervösa för hur de kunde komma av i en mockumentary, men många hoppade direkt ombord! Neal var mycket omtyckt av dessa människor, och de litade på att han inte försökte framställa någon i ett dåligt ljus eller något liknande. 

När personer var bokade gick vi igenom manuset och bestämde vilka rader som kunde passa dem. Vi tre brainstormade också ytterligare material som hänvisade till deras specifika arbete och personligheter. Vi filmade dessa från 2019 rakt igenom de sista dagarna innan leverans till vår festivalpremiär sommaren 2022. När vi närmade oss slutet föreslog vår redaktör för The Once and Future Smash, Aaron Barrocas, också material för intervjuerna som kunde fylla luckor , lägg till skämt eller förbättra sammanhanget. Det var till stor hjälp att kunna titta på grova snitt och sedan skjuta ytterligare talking-head bitar för att lösa problem och fylla luckor. 

Vi hade bara en kort tid med var och en av de pratande huvudena, men de gjorde verkligen alla ett fantastiskt jobb med att engagera sig i konceptet och fira projektet. Vi var väldigt glada över att få dela filmen med många av dem på LA-premiären. Vi var nervösa över hur de kunde reagera, men verkligen glada över att de alla verkade njuta av filmen och må bra över hur vi porträtterade dem. Det var alltid vårt mål – att fira dessa människor växte vi upp med att titta på och beundra. 

Det finns många skräck-franchise-skämt och referenser i The Once And Future Smash. Hur fick du ihop det hela?

Vi är stora skräckfans, och vi ville verkligen att detta skulle vara en hyllning till skräckhistorien! När Michael skrev försökte han hitta balansen mellan skämt som skulle fungera för en bred publik och djupt skurna skämt som skulle belöna tittare som verkligen är kunniga om skräck. Någon frågade oss hur många referenser det finns i de två filmerna, och vi tappade definitivt räkningen, men det är mycket! 

När Aaron redigerade gjorde han också ett bra jobb med att kontrollera tonen och klippa skämt som inte fungerade eller kändes för oklara. Aaron lade också till några visuella skämt – saker som chyron timing som en punchline. 

Kommer det att finnas en End Zone 3? Kommer vi att se mer Smash-Mouth någon dag?

Vi har så många idéer för filmer vi skulle vilja göra, så vi tenderar inte att återvända till projekt, men det är något speciellt för oss med End Zone-universumet. Vi har funderat på att göra remaken av End Zone 1 eller göra End Zone 3D, men allt kommer att bero på den ekonomiska framgången för de aktuella filmerna. Kort sagt, om det finns en efterfrågan på mer som motiverar budgeten, kommer vi att göra mer!

Som en mockumentary, vilken var nivån på improvisation kontra manusdialog?

Som vi nämnde var kostymtävlingen helt spontan. Annars är det faktiskt väldigt lite improvisation i filmen. Vi sa till alla talking heads att de var välkomna att riffa på raderna eller omformulera dem, så lite av det hände här och där. Som några exempel, kom Jared Rivet på några av de filmtitlar för fotbollshämnd som kom i mål, och James Branscome hade roligt med att lägga till Vietnamskämt till nästan alla sina repliker.  

Finns det ett distributörs-/släppdatum för TOAFS och End Zone 2?

Vi har haft distributörssamtal i nästan ett år nu och vi har fått många erbjudanden, men vi har letat efter en garanti på förhand som täcker de två filmernas små budgetar. Marknaden är sådan nu att de flesta distributörer är rädda för att ta risker, speciellt för ett ovanligt projekt som detta. Så vi kommer med största sannolikhet att arbeta med en aggregator och göra en egenutgivning av filmen i höst. Detta har varit en framgångsrik väg för oss tidigare, och vi har ingen oro för att ta detta tillvägagångssätt. Det betyder också att vi verkligen kommer att kunna kontrollera filmen och bestämma det bästa sättet att dela den med världen. Inget datum är satt ännu för releasen.

Vad jobbar ni båda med nu?

Sophia kommer att vara filmfotograf på flera genrefilmer som spelas in mellan nu och slutet av året som ännu inte har tillkännagetts offentligt, och Michael har skrivit för de kommande långfilmerna Manicorn (reg. Jim McDonough) och A Hard Place (regi. J. Horton). Vi har också båda arbetat med Matt Stuertz nya film, Wake Not the Dead, som kommer att bli en viskning! 

Vi jonglerar också alltid med våra egna projekt för att se vilka resurser som dyker upp för att väcka nästa sak till liv. Med tummarna kan vi säga att vi har utvecklat ett mordmysterium som vi hoppas kunna göra i vinter med Sophia som regisserar och Michael som skriver och producerar.