Ärftlig representerar debutfilmen för Ari Aster, som tidigare regisserat sex kortfilmer. Alltsedan Ärftlig hade premiär på Sundance Film Festival i januari 2018, har kritiker jämfört Ärftlig till ikoniska filmer som Rosemary's Baby och The Shining och märkt Aster en auteur.

Följande intervju med Aster genomfördes via e-post den första veckan i april.  Ärftlig öppnar i teatrar den 8 juni.

GD: Vad var uppkomsten av, inspiration för, ärftlig, och vilken betydelse har filmens titel?

AA: Jag ville göra en allvarlig meditation över sorg och trauma som gradvis kramar sig in i en mardröm - hur livet kan kännas som en mardröm när katastrofen inträffar. Den verkliga betydelsen av titeln bör inte uppstå för tittaren förrän i slutet av filmen, men det räcker med att säga det Ärftlig är främst bekymrad över slumret i familjebanden. Under filmen blir det allt tydligare att denna familj inte har någon fri vilja; deras öde har överlämnats till dem, och det är ett arv som de inte har något hopp om att skaka.

GD: Vilka var teman som du ville utforska med den här filmen?

AA: Det finns massor av filmer om tragedi som för samman människor och stärker banden. Jag ville skapa en film om alla sätt som sorg kan riva människor ihop och hur trauma helt kan förvandla en person - och inte nödvändigtvis till det bättre! Ärftlig är en buffé med värsta fall som leder till ett ful, hopplöst slut. Nu behöver jag bara undersöka varför jag ville göra allt detta.

GD: Vad var den stilistiska, visuella strategi som du och din filmfotograf diskuterade innan filmningen började, och hur skulle du beskriva filmens utseende och ton?

AA: Tja, jag har arbetat med min DP, Pawel Pogorzelski, sedan jag träffade honom på AFI, och vi har utvecklat en fantastisk stenografi. Vi talar samma språk, i en sådan utsträckning att vi blir ganska upprörda över varandra precis som en antydan eller missförstånd. Sättet jag jobbar på - och jag är säker på att det finns bättre sätt att arbeta - är att jag alltid börjar med att skapa en skottlista, och jag pratar inte med någon i besättningen förrän skottlistan är komplett. Därifrån blir frågor om utförande, belysning, produktionsdesign osv. Centrala. Men först måste varje avdelningschef kunna se filmen i sitt huvud. I det här fallet skulle kameran vara väldigt flytande, fristående, observationsinbrytande. Tonen är svår att prata med ... men jag kan säga att jag ofta berättar för besättningen att filmen ska kännas ond. Vi är med familjen och vi är anslutna till dem i vår okunnighet om vad som verkligen händer, men det borde också vara en känsla av att vi tittar på dem ur ett mer vetande, sadistiskt perspektiv.

GD: Vilka är genreinflytandena som du har tagit till den här filmen, och vad tycker du att publiken kommer att tycka mest övertygande och skrämmande om den här filmen?

AA: Det var viktigt för mig att vi deltog i familjedramat innan vi deltog i skräckelementen. Filmen behövde stå på egen hand som en inhemsk tragedi innan den kunde fungera som en läskig film. Så de flesta referenser som jag gav till besättningen var inte skräckfilmer. Mike Leigh var en - särskilt Hemligheter och lögner och Allt eller inget. Vi pratade också på allvar om The Ice Storm och I sovrummet, som har en vändning på 30-minutersmarkeringen som inte är så annorlunda än den i ärftlig. Bergman är en av mina hjältar, och Cries and Whispers var något jag tänkte på, tillsammans med Autumn Sonata för hur det handlade om moder-dotterförhållandet. De skräckfilmer vi diskuterade var mest från 60- och 70-talet. Rosemary's Baby var en uppenbar teststen. Titta inte nu är en stor. Nicholas Roeg var i allmänhet stor för mig. Jag älskar Jack Clayton De Innocents. Och så finns det de stora japanska skräckfilmerna - Ugetsu, Onibaba, Passionens imperium, Kwaidan, kuroneko.

GD: Hur skulle du beskriva den familjedynamik som finns inom Graham-familjen när vi först träffar dem i filmen, och hur skulle du beskriva den resa de tar under hela filmen?

AA: Grahams är redan isolerade från varandra när vi möter dem. Luften behövde vara tjock med en fylld, okänd historia. Därifrån inträffar saker som bara tjänar till att främja dem ytterligare, och i slutet av filmen blir varje familjemedlem totalt främling - om inte en till synes dubbel för sig själva - för den andra. För att hänvisa till Freuds uppsats om det kusliga, hemmet i Ärftlig blir resolut omomlig.

GD: Hur skulle du beskriva den illvilliga närvaron som plågar Graham-familjen i filmen, och hur svarar de på detta?

AA: Det finns många giftiga influenser på spel. Skuld, förbittring, skylla, misstro ... och sedan finns det också en demon.

GD: Hur skulle du beskriva naturen i det förhållande som existerar, både i liv och död, mellan Charlie och hennes mormor, Ellen?

AA: Att förklara detta skulle vara att förråda några ganska stora avslöjanden i filmen. Jag avstår för att undvika att förstöra!

GD: Vad var den största utmaningen du mötte under inspelningen?

AA: Vi byggde hela husets interiör på en sund scen. Allt inuti huset designades och byggdes från grunden. Utöver detta hade vi den ytterligare utmaningen att behöva skapa en miniatyrreplika av huset (bland många andra miniatyrer). Detta innebar att vi behövde utforma alla inslag i hemmet i god tid före fotografering. Det betyder inte bara att vi behövde besluta om utformningen av huset och dimensionerna på rummen, vilket faktiskt är det enklaste för miniatyristen att replikera; det innebar att vi var tvungna att fatta beslutade beslut angående set-dressing mycket tidigt. Så vi behövde veta vad möblerna skulle vara, vad tapeten skulle vara, vilka växter vi skulle ha i varje rum, vilka draperier vi skulle lägga över fönstret, och så vidare och så vidare. Vi sköt allt som involverade dockhus under vår sista produktionsvecka, och det var så tätt att vi hade miniatyrer som skickades in just de dagar som de skjutits.

DG: Vad tog Utah, din filmplats, till den här filmen som var unik från andra filmplatser som du kanske har valt, och hur skulle du beskriva bakgrunden, inställningen, av filmen?

AA: Nåväl, vi åkte ursprungligen till Utah för att vi kunde få ut mer av vår budget där borta. Den ursprungliga planen var också att göra en vinterfilm och få huset att vara snöbundet. Med det sagt krävde schemaläggningen att vi skulle skjuta på sommaren, och jag kunde i slutändan inte ha varit nöjdare med de landskap som Utah gav. Jag kan nu inte föreställa mig att filmen ser något annat sätt ut. Jag måste också säga att vi hade den mest otroliga besättningen på den här filmen - från konstavdelningen till kameravdelningen fanns det inte en enda svag länk. Jag rekommenderar Utah till alla som vill göra en film.

DG: Vad är din favoritscen eller sekvens i filmen?

AA: Nåväl, i hopp om att undvika en spoiler och riskera att bli alltför kryptisk: det finns en långvarig montage av Toni Collette som gråter okontrollerbart (under en vecka), och jag är ganska nöjd med hur det blev.

DG: När jag läste om Ann Dowds karaktär, Joan, tänkte jag genast på Billie Whitelaw som fru Baylock i Förebudet. Hur skulle du beskriva Joans roll i filmen?

AA: Hennes karaktär är definitivt i den traditionen. För den delen är hon också i traditionen med karaktärer som Castevets i Rosemary's Baby eller Hilary Masons blinda klarsynt i Titta inte nu. Hon härstammar från en pessimistisk skepsis hos den altruistiska grannen som till synes har ditt bästa. Bekvämt kommer hon också från en tradition i familjedrama av välvilliga utomstående som går in för att ge ett utlopp för en annars isolerad medlem av en dysfunktionell enhet. Judd Hirsch i Ordinary People är ett exempel.

DG: Med tanke på den överväldigande positiva reaktionen som filmen hittills har fått, vilket är konstigt för en film som inte ens har släppts formellt ännu, känns det som att filmen redan har uppnått status som klassiker innan större delen av världen har haft en chans att se det. Vad har du upplevt, när det gäller publikens reaktion, under de visningar du har deltagit hittills, och hur skulle du beskriva reaktionen du har fått på filmen hittills?

AA: Reaktionerna har varit väldigt spännande. För att vara ärlig var jag initialt bara väldigt lättad över att folk inte tyckte att det var en jättebit. Men du lär dig snabbt att det är en unik kvantifierbar sak, oavsett om din skrämmande film fungerar eller inte. Det är som att göra en komedi. Antingen skrattar folk eller inte. Men jag kan säga att det inte finns någon känsla av att publiken skriker på något du har skapat. Det är en fantastisk dopamin hög.

DG: Eftersom detta är din första långfilm, hur skulle du beskriva den resa du har gjort under det senaste decenniet?

AA: Jag har skrivit manus sedan jag var tolv år gammal. Jag gick på filmskolan vid College of Santa Fe innan jag studerade regi vid American Film Institute. Efter examen i AFI gjorde jag dussintals kortfilmer, och när jag kom till att skriva Ärftlig, Jag hade tio andra funktionsskript redo att gå (varav två var på väg att bli gjorda tidigare Ärftlig). Det har varit en lång väg, men jag kunde inte ha välsignats med större resurser eller starkare medarbetare än de på Ärftlig. Jag räknar mig extremt lycklig.

DG: För någon som inte har sett något av ditt tidigare arbete, dina kortfilmer, vad skulle du säga är ditt kännetecken, din signatur, som regissör och vad som identifierar Ärftlig som en Ari Aster-film?

AA: Jag kommer ihåg en stor lärare från mig på AFI, Peter Markham, som sa att filmskapande är (eller borde vara) olagligt skapande. Jag håller helhjärtat med den känslan. Ärftliga och alla mina kortfilmer (och nästan alla filmer som jag tänker göra härifrån) är förhoppningsfulla bidrag till den traditionen att göra ondskan.

GD: Varför tror du Ärftlig skiljer sig från legionen av andra genrefilmer på marknaden?

AA: Jag känner inte att det är min plats att prata med det. Jag kommer att säga att om filmen fungerar tror jag att det beror på att jag gjorde det till mitt uppdrag att alltid hedra karaktärerna innan något annat. Det finns också den mycket generösa mängden nakenhet i hela fronten som jag såg till att inkludera.

GD: När du ser tillbaka på hela upplevelsen av att göra Ärftlig, finns det ett minne som framstår som mest berättande om hela denna upplevelse för dig, när du ser tillbaka på den resa du har tagit med filmen?

AA: Jag kan inte tänka på ett minne särskilt. Jag kan säga att det var flera stunder under produktionen där jag plötsligt kom ihåg att jag faktiskt gjorde en film. Det har alltid varit min dröm. Så jag skulle försöka komma ihåg att känna mina fötter på marken och uppskatta det. Det var de bästa ögonblicken.